|
gce/I Sotterranei dell'arte Mirhajica / Strutture Davide Cascio, Martina Jacoma, Ana Roldán, Sophie Toulous Denis Bigler, Daniel Robert Hunziker, Zeljka Marusic & Andreas Helbling, Mickry 3, Aldo Mozzini Texts by Boris Magrini, Giovanni Carmine Graphic design by Theredbox communication design 20 x 20 cm 96 pp color PB ISBN 13: 978-88-87469-52-3 Italiano / English CHF 27,-- (CH) Euro 22,-- GBP 16,-- USD 27,-- Mirhajica La capacità di creare personaggi fantastici e universi immaginari è propria della produzione artistica, in particolar modo della letteratura, grazie alle sue qualità narrative. Con la letteratura, le arti visive hanno da sempre saputo instaurare un dialogo reciproco e prolifico che continua tuttora. Pittori, fotografi e cineasti illustrano e interpretano continuamente le opere di molti scrittori i quali, a loro volta, attingono regolarmente alle allegorie inventate dagli artisti. Mirhajica apre le porte ai mondi immaginari creati da alcuni artisti, il cui lavoro è intimamente legato alla produzione letteraria, sia essa classica, postmoderna o cyberpunk. Le loro opere evocano le atmosfere, le ossessioni e le fantasie di alcuni romanzi, o creano delle installazioni allegoriche che rispecchiano il simbolismo sviluppato da un autore, o, ancora, sfruttano la parola come processo generativo di un'opera. Le utopie, i miraggi e le illusioni che costituiscono l'immaginario universo di Mirhajica, svelano in parte le contraddizioni e le assurdità del mondo reale. Le forme geometriche create da Davide Cascio (*1976, Lugano, CH) per le sue installazioni si apparentano ai modelli di progettazione architettonica e urbana. L'architettura, nella sua prassi più pura, è per Davide Cascio un'attività umanista, anch'essa volta a contribuire al progresso permanente della società. Se l'artista accosta il suo lavoro alla pratica dell'architettura, è alla filosofia, alla letteratura e ai testi storici che egli attinge per concepire e sviluppare le proprie opere. L'installazione realizzata per I Sotterranei dell'Arte s'iscrive nella sua attuale ricerca inerente all'architettura utopica. L'artista disegna le tracce di una città ideale e immaginaria, concepita dall'uomo per soddisfare le proprie illusioni. Un luogo inesistente e tuttavia frutto di una pianificazione cosciente, la cui perfezione ambita ne compromette inevitabilmente la realizzazione. Influenzata dalla cultura letteraria e cinematografica cyberpunk, Martina Jacoma (*1981, Locarno, CH) s'interessa più particolarmente al rapporto tra corpo umano e nuove tecnologie, indagando le interferenze e le alterazioni indotte da queste sull'uomo. Le considerazioni riguardo al transumanesimo, alla natura della mente umana e all'ipotesi di un'intelligenza artificiale costituiscono il terreno filosofico su cui questa cultura si è sviluppata. Martina Jacoma realizza delle opere video al confine tra il gesto poetico e la documentazione di performance individuali. In Carnògica, l'artista ha filmato il proprio corpo in un ambiente artificialmente creato, il quale interagisce e si confonde con la realtà biologica del corpo. Per l'esposizione Mirhajica, l'artista realizza un'installazione video che sviluppa ulteriormente le ricerche intraprese nella sua opera precedente. Il mondo descritto da Ana Roldán (*1977, Mexico City, MX) è un mondo cinico e crudele, in cui le ambizioni personali si scontrano con le esigenze della collettività. L'artista crea delle installazioni fragili e poetiche, di fronte alle quali la moralità e le aspirazioni dello spettatore sono messe alla prova. L'artista predilige l'uso di materiali come il cuoio e la cera, propri della produzione artigianale; ciononostante nelle sue installazioni appare spesso il logo che suggerisce una produzione industriale. La parola è altrettanto un elemento essenziale: che si tratti di una fiaba scritta dall'artista o di un titolo in forma di logo, essa offre una chiave di lettura dell'opera e ne rivela al contempo le tematiche. Per I Sotterranei dell'Arte, Ana Roldán presenta un'opera nuova, The Play, un'interpretazione allegorica del gioco del golf, in cui l'importanza del successo individuale e dei soldi vengono esasperati. Sophie Toulouse (*1970, Rennes, FR) ha creato un mondo fantastico e seducente: Nation of Angela (NOA), una nazione-isola in cui prevalgono i valori della bellezza, della purezza e dell'innocenza. Una società utopica in cui l'individuo può trovare asilo per fuggire dalla realtà. Ma NOA non è così innocua come appare: i messaggi propagandistici che emette tradiscono un'ideologia totalitaria basata sulla promessa di un mondo migliore, di un riscatto individuale e sulla negazione di una felicità terrena. L'apologia della bellezza e della perfezione di NOA evocano le strategie pubblicitarie proprie della società consumistica odierna. In questo senso, l'opera di Sophie Toulouse può essere interpretata come una denuncia di un sistema capitalista sempre più globale e totalitario. Ispirata dalla letteratura e dalla filosofia postmoderna, Sophie Toulouse ha creato un'isola fagocitante dalle sembianze neobarocche, capace di rispecchiare i sogni di chiunque al fine di diffondere la sua ideologia. Strutture Introducendo l’uso di materiali non convenzionali e meno nobili, le esperienze cubiste e costruttiviste avevano gettato le basi della scultura contemporanea. L’identità stessa della scultura veniva allora alterata, tanto nella sua sostanza quanto nella sua funzione. Abbandonata la sua indole celebrativa, abbandonata l’esclusiva unicità dell’oggetto scultoreo e introdotta la possibilità di comporre con materiali eterogenei, la scultura si è sempre più proposta sotto forma di installazione, opera composta di più elementi coerentemente disposti e spesso a carattere interattivo. Oggi la scultura, in senso lato, è certamente l’espressione artistica tra le più ricorrenti, eppure, paradossalmente, i termini di scultura e scultore sono sempre meno usati nel linguaggio dell’arte contemporanea. Strutture presenta una selezione di artisti che operano in questo territorio ambiguo tra la scultura e l’installazione. Capaci di riciclare i materiali di uso quotidiano, di evocare oggetti e situazioni con elementi imprevedibili, o ancora di realizzare costruzioni nel contempo simboliche e funzionali, gli artisti di Strutture si iscrivono nell’attuale e prolifica evoluzione della scultura, ampliandone nello stesso modo il lessico e la sintassi. Da alcuni anni Denis Bigler (*1969, Courgevaux) lavora assiduamente a un progetto di ricostruzione in scala 1:1 del carro armato Leopard dell’esercito svizzero. Si tratta di una replica in fibra di vetro fedele in ogni dettaglio. Quando sarà terminato, questo work in progress verrà presentato nel suo insieme, che prevede inoltre un concetto installativo e performativo complesso. Artista polivalente, Denis Bigler è capace di utilizzare qualsiasi tecnica costruttiva per realizzare le sue opere, le quali si situano per il loro realismo e la loro complessità tecnica tra l’opera scultorea e il prodotto di ingegneria. Se l’artista insiste su una figurazione realista, tanto nella scultura quanto nella pittura, è per accentuare la riflessione sociale che accompagna costantemente il suo lavoro, riflessione intesa a sottolineare i delicati rapporti tra la società e l’individuo, tra l’uomo e la natura. Le opere di Daniel Robert Hunziker (*1965, Walenstadt) rivelano la parte nascosta, strutturale di una costruzione ordinaria. Lo stupore e il disorientamento di fronte alle sue sculture e alle sue installazioni corrispondono allo stupore provato nel rovesciare un guanto e scoprirne il rovescio delle maglie e delle cuciture che lo compongono. L’artista è altrettanto interessato alla precarietà e alla fragilità di una struttura che appare come l’elemento principale e portante delle sue opere. Viceversa, l’aspetto prevalentemente visibile e sostenuto, la superficie dell’opera, risulta accessoria e artificiale. Non è un caso se i luoghi da lui meticolosamente riprodotti, quali un corridoio, l’ala di un ufficio o l’entrata di uno stabile, omettano qualsiasi presenza di vita. Daniel Robert Hunziker costruisce le sue opere a partire da elementi prefabbricati e materiali edili. Il suo approccio è tuttavia lontano dalle considerazioni estetiche e sociologiche soggiacenti alla pratica del ready-made: l’artista si interessa piuttosto alla costruzione di precise situazioni in cui è chiamata in causa la percezione dello spettatore. Zeljka Marusic (*1967, Pozega) e Andreas Helbling (*1967, Schaffhausen) sono prevalentemente noti per il loro progetto Balkan TV, intrapreso a partire dal 2001. A metà strada tra la finzione e la cronaca giornalistica, Balkan TV è nel contempo uno studio mobile e un’emissione televisiva virtuale, che offre un incontro più personale e umano con le persone intervistate durante le loro trasferte in Svizzera, Germania e nei Balcani. In parallelo alla loro attività video, i due artisti creano delle costruzioni fragili e precarie composte di legno e cartone e assemblate con nastro adesivo. Queste installazioni abitabili simili a grotte definiscono uno spazio intimo e selvaggio, che ricorda il mito romantico di un’abitazione primordiale, capace di riavvicinare l’uomo alla natura. Accompagnate da proiezioni video, le installazioni dei due artisti affascinano per la loro fragilità e la loro misteriosa poesia, evocante una vita idilliaca e atemporale. Le opere di Zeljka Marusic e Andreas Helbling, più particolarmente, sottolineano la specificità dei rapporti tra l’individuo e la società, tra l’uomo e la donna o ancora tra le etnie e le culture diverse. Il collettivo Mickry 3, composto da Nina von Meiss (*1978, Zürich), Dominique Vigne (*1981, Salouf) e Christina Pfander (*1980, Rüeggisberg), è stato formato a Zurigo nel 1999. Sin dagli inizi, il collettivo si è distinto per i toni aggressivi e ironici delle sue installazioni, che possono essere considerate, nello stesso tempo, una celebrazione sarcastica del consumismo e un’incitazione alla rivolta dei consumatori. Alla frontiera tra arte e design, i prodotti del collettivo presentano uno stile giovane e accattivante, caratteristico delle strategie di marketing industriale. L’esasperazione e la deformazione degli elementi figurativi inducono tuttavia un disagio nello spettatore il quale si trova sospeso tra attrazione e rigetto. Le sculture e le installazioni create da Mickry 3 sono in gran parte composte di cartone e cartapesta, ciò che permette una maggiore espressività plastica. L’ambiguità tra opera e oggetto, tra funzione allegorica e funzione pratica, è ulteriormente evidenziata nei loro mobili creati per allestire gli spazi espositivi, i quali possono essere concretamente usati come tavoli e sedie. Docente alla Hochschule für Gestaltung und Kunst di Zurigo, Aldo Mozzini (*1956, Locarno) intraprende da anni un lavoro che potrebbe essere qualificato di decostruzione del design industriale, quale si è sviluppato nel corso del ventesimo secolo. Il Movimento Moderno aveva affermato l’interdipendenza tra la forma e la funzione di un oggetto, qualunque essa fosse, da un banale sgabello a tre gambe fino all’architettura di un edificio complesso, insistendo su quanto la funzione dovesse idealmente definire la forma. Ma cosa succede quando l’aspetto formale e l’efficienza di un oggetto sono portati al loro limite? Quali sono gli elementi indispensabili, tanto funzionali che estetici, che permettono di riconoscere un oggetto per quello che è? Attraverso la ricostruzione di edifici, mobili e oggetti con materiali di recupero, Aldo Mozzini pone precisamente queste domande. Il suo approccio artigianale e informale, oltre che condannare implicitamente un design vincolato al profitto, è una vera ricerca ontologica sugli oggetti di uso comune. Mirhajica The practice of art involves the capacity to create fantasy characters and imaginary worlds, especially in the case of literature, thanks to its narrative qualities. The visual arts have always engaged in fertile dialogue with literature. Painters, photographers and filmmakers continue to illustrate and interpret the works of many writers, while writers regularly make use of the allegories invented by artists. Mirhajica opens the gates to the imaginary worlds created by several artists whose work is closely linked to literature, from the classic to the postmodern or cyberpunk. Their works evoke the atmospheres, obsessions and fantasies of novels; they create allegorical installations that reflect the symbolism developed by an author, or use words as a process for generating works. The utopias, mirages and illusions that constitute the imaginary universe of Mirhajica reveal, in part, the contradictions and absurdities of the real world. The geometric forms created by Davide Cascio (*1976, Lugano, CH) for his installations are related to the models of architectural and urban design. Architecture, in its purest form of practice, is a humanistic activity, in Davide Cascio’s view, aimed at making a contribution to the permanent progress of the society. Alongside this focus on the practice of architecture, the artist turns to philosophy, literature and historical texts for the conception and development of his works. The installation made for “I Sotterranei dell'Arte” is part of his ongoing research on utopian architecture. The artist designs an ideal, imaginary city invented by man to satisfy his own illusions. A non-existent place, yet the result of conscious planning, in which the desire for perfection inevitably jeopardizes the possibility of implementation. Influenced by cyberpunk literature and film, Martina Jacoma (*1981, Locarno, CH) is particularly interested in the relationship between the human body and new technologies, investigating the interferences and alterations the technologies trigger in human beings. Considerations regarding transhumanism, the nature of the human mind and the hypothesis of artificial intelligence represent the philosophical terrain on which this culture has developed. Martina Jacoma’s videos operate on the borderline between poetic gesture and documentation of individual performances. In Carnògica the artist has filmed her own body in an artificial environment that interacts and blends with the biological reality of the body. For the exhibition Mirhajica the artist has made a video installation that further develops the research begun with her previous work. The world described by Ana Roldán (*1977, Mexico City, MX) is cynical and cruel, a place where personal ambitions clash with collective needs. The artist creates fragile, poetic installations that challenge the morality and aspirations of the viewer. She utilizes materials from the world of arts and crafts, like leather and wax, yet her installations often contain logos, suggesting industrial origins. Words are an equally essential element: whether in the form of a fable written by the artist or a title in the form of a logo, they offer a key of interpretation for the work, revealing its themes. For “I Sotterranei dell'Arte” Ana Roldán presents a new work, The Play, an allegorical interpretation of the game of golf in which the importance of individual success and money are accentuated. Sophie Toulouse (*1970, Rennes, FR) has created a fantastic, seductive world: Nation of Angela (NOA), a nation-island where the values of beauty, purity and innocence prevail. A utopian society in which the individual can seek refuge to escape from reality. But NOA is not as innocuous as it looks: its propaganda messages reveal a totalitarian ideology based on the promise of a better world, individual redemption and the denial of earthly happiness. The apologia of beauty and perfection of NOA retraces the advertising strategies of today’s consumer society. In this sense, the work of Sophie Toulouse can be interpreted as a critique of an increasingly global and totalitarian capitalist system. Inspired by postmodern literature and philosophy, Sophie Toulouse has created a voracious island of neo-baroque features, capable of reflecting anyone’s dreams with the aim of spreading its ideology. Strutture Introducing the use of unconventional and less noble materials, the cubist and constructivist experiences created the base of the contemporary sculpture. The identity itself of the sculpture was then altered as much in its substance as in its function. Abandoned its commemorative nature, abandoned the exclusive singleness of the sculptural object and introduced the possibility to compose with heterogeneous materials, the sculpture has been more and more proposed as installation, a work composed of several elements coherently set out and often in an interactive way. Nowadays, broadly speaking, sculpture is for sure the artistic expression the most recurrent and yet, paradoxically, the terms of sculpture and sculptor are less frequently used in the language of contemporary art. Strutture presents a selection of artists who operate in the ambiguous territory between sculpture and installation. These artists are able either to recycle materials of the everyday life, to evoke objects and situations with unpredictable elements or to realize constructions at the same time symbolic and functional. The artists participating at the Strutture exhibition belong to the present prolific sculpture evolution of which at the same time they amplify the vocabulary and the syntax. For some years Denis Bigler (*1969, Courgevaux) has been working on a project of reconstruction on scale 1:1 of the Leopard tank of the Swiss army. It’s a replica in glass fibre faithful in every details. When finished this work in progress is going to be showed in its ensemble, which comprises a complex installing and performing concept. A versatile artist, Denis Bigler is able to use every kind of constructive technique to realize his works, which can be situated for their realism and technique complexity between the sculpture work and the engineering product. If the artist insists on a realistic illustration, as in the sculpture as in the painting, is to accentuate the social reflection which constantly accompanies his work, his reflection intends to underline the delicate relations between the society and the individual, between the mankind and the nature. The works of Daniel Robert Hunziker (*1965, Walenstadt) reveal the structural hidden part of an ordinary construction. The amazement and bewilderment before his sculptures and installations correspond to the astonishment that is showed in turning inside out a glove and in discovering the inside out of the purl stitches and of the seams which compose it. The artist is very interested in the precariousness and the fragility of a structure, which appears as the principal and the supporting element of his works. But on the contrary the prevalently visible and supported aspect, the surface of the work, results accessory and artificial. It’s no accident that the places that he reproduces meticulously as a corridor, the wing of an office, or the entrance of a building, omit every kind of life. Daniel Robert Hunziker builds his works beginning from prefabricated and building elements. His approach nevertheless is far away from the aesthetic and the sociological considerations connected to the readymade: the artist is rather interested in the construction of precise situations in which the perception of the spectator is involved. Zeljka Marusic (*1967, Pozega) and Andreas Helbling (*1967, Schaffhausen) are largely known for their project Balkan TV, which was started at the beginning of 2001. At half way between the fiction and the journalistic report, Balkan TV is at the same time a mobile TV studio and a virtual television program, which offers a more personal and human encounter with the people they interview during their trips in Switzerland, Germany and the Balkans. In parallel with their video activities, the two artists create fragile and precarious constructions composed of wood and cardboard and assembled with scotch tape. These habitable installations similar to caves define an intimate and wild space which reminds the romantic myth of a primordial home able to move human beings and nature closer to each other. Accompanied by video projections, the installations of the two artists fascinate with their fragility and their mysterious poetry, which evokes an idyllic and timeless life. The works by Zeljka Marusic and Andreas Helbling underline more particularly the detailed relations between the individual and the society, men and women and moreover between different cultures and ethnic groups. The collective Mickry 3, composed of Nina von Meiss (*1978, Zürich), Dominique Vigne (*1981, Salouf) and Christina Pfander (*1980, Rüeggisberg), was created in Zürich in 1999. Since the beginning, the collective has distinguished itself for the aggressive and ironic aspects of its installation, which can be considered at the same time, a sarcastic celebration of the consumerism and an incitement to the rebellion of the consumers. At the frontier between art and design, the products of the collective present a youthful and attractive style distinctive of the industrial marketing strategies. The exasperation and deformity of the visual elements causes nevertheless discomfort to the spectator who is divided between attraction and repulsion. The sculptures and the installations created by Mickry 3 are mainly composed of cardboard and papier-mâché, which gives a larger plastic expression. The ambiguity between the work and the object, the allegorical function and the practical one, is even further highlighted in their pieces of furniture created for the exhibition rooms, which can be used as tables and chairs. Aldo Mozzini, a teacher at Hochschule für Gestaltung und Kunst of Zürich (*1956, Locarno), has started many years ago a work that could be qualified as deconstruction of the industrial design, as it was developed during the twentieth century. The International Style had affirmed the interdependence between the form and the function of an object, whatever it may be, starting from a trivial three-leg stool till the architecture of a complex building, in insisting on what the function could in an ideal way define the form. But what happens when the formal aspect and the efficiency of an object are driven to their limits. Which are the indispensable elements, so much functional as aesthetic, which permit to recognize an object as it is? Through the reconstruction of buildings, pieces of furniture and objects with waste material, Aldo Mozzini asks in precise way these questions. His craftmade and informal approach not only condemn implicitly a design tied up with the profit, but is as well a true ontological research on the objects of ordinary use. |
|
||
|
||